1、画意摄影

　　A、高艺术摄影（1850年至1870年）

　　用绘画的规则原理，摄影的技法，独具匠心地去创作绘画效果的照片。高艺术摄影家们接受了艺术评论家关于“要掩盖平凡和丑陋”的告诫，避免表现日常生活题材。而经常借用流行诗、历史传说和《圣经》中的轶事、寓言故事、基督生活等作为题材，主要宗旨是通过这些画面阐述道德观念，给人以教益。由于这些题材不可能在日常生活找到，因此摄影家就搭置了许多精巧的布景，设置豪华的陈设，精心指导服装模特，从而使不少摄影家后来都成为舞台设计专家。

　　代表人物：奥斯卡•古斯塔夫•雷兰德

　　代表作：《两种人生》

　　B、自然主义摄影

　　重视对自然的感受，提倡在实际的自然环境中发掘题材，以写实的手法来表现自然美的形象。1889年，以英国摄影家彼得•亨利埃默森（1856-1936）的《自然主义摄影》一书为标志，提出了“回归自然”的口号，代表人物：埃默森。

　　C、印象派摄影

　　运用柔焦和软焦手法，将影像蒙胧和柔化，以使作品看上去更像印象派绘画的效果。印象派摄影家提出的“要使作品看起来完全不像照片”和“假如没有绘画，也就没有真正的摄影”理论，促使他们用画笔，铅笔、橡皮在照片画面上加工，特意改变其原有的明暗变化，追求“绘画”的效果。

布莱恩作品《雨中的喜悦》

　　2、同时期的人像摄影

　　奥古斯特•桑德(1876—1964)，德国摄影师。他在黑布里，透过笨重的木制大相机的镜头，从毛玻璃上观察自己的同胞。他比别人看得更远，为别人留下影子，也为自己的同胞做最客观的见证，并拍下整个时代的脸孔，让后人看看真正的日耳曼民族的心灵。这些照片使桑德成为有史以来最重要的人像摄影家、时代脸孔的留影者，并被誉为“德国人性的见证者”。

　　3、纯粹派摄影

　　纯粹派摄影：直接摄影，如实摄影。力足于摄影本体语言的独立性，如细节层次，影调和质感等，强调本体特性之纯，不依赖后期加工去直接真实地再现客观物像。

F64小组：

　　摄影要真正地表现客观事物，应对原事物进行直接拍摄，而不是做作摆布。摄影画面应当全部清晰，各层次的影调都要细微丰富，因而在拍摄中提倡用大片幅相机。必要时将光圈缩至最小。

A、安塞尔•伊士顿•亚当斯（1902年—— 1984年）美国摄影师，生于旧金山。以拍摄黑白风光作品见长，其中最着名的是约塞米蒂国家公园系列。亚当斯一生三度获颁古根海姆奖金。1966年，他获美国艺术与科学学会奖金。1980年，吉米•卡特授予他总统自由勋章，这是国家给美国公民的最高褒奖。

学习摄影的人一定都会熟悉亚当斯的那本《论摄影》，这本书也成为了无数摄影爱好者的启蒙之作。作为摄影大师，他提出“区域系统”的技术概念，认为摄影师应借光线的变化，控制底片和相纸上的密度观感。亚当斯也倡导“可视化”的概念（他亦常称之为“前可视化”，但这个词并未为后世所接受），指照片给予人的观感，取决于光线的测量值，即在景物摄入镜头那一刻已经决定。

除了摄影，他一生都在拍摄的国家公园的作品同样也为自然环境的保护带来了很大的影响。

拍照是一件很容易的事，但是想要在摄影中制作出杰出的作品远比其他的艺术形式要难的多。

Photo by Ansel Adams

Photo by Ansel Adams

Photo by Ansel Adams

Photo by Ansel Adams

Photo by Ansel Adam

B、静物摄影大师——爱德华•韦斯顿，（1886—1958年）生于美国芝加哥，第一位获得古根海姆奖的摄影家，f64小组的创始人之一。

C、肖像摄影大师——优素福•卡什，（1908年—2002）国籍：加拿大，代表作品：《愤怒的丘吉尔》等。20世纪享誉世界的人像摄影大师，专拍时代脸孔的巨匠，拍摄了数以百计20世纪重要人物的肖像，包括著名的政治家、作家、诗人、音乐家、画家、演员，以及普通民众等，被誉为“摄影界的伦勃朗”。

《愤怒的丘吉尔》

奥黛丽赫本

D、平民纪实摄影大师——罗伯特•杜瓦诺，（1912—1994）在法国摄影界，罗伯特•杜瓦诺和利•卡笛尔•布列松堪称为一对并驾齐驱的大师。这两人的摄影都以纪实为主，但风格却迥然不同。布列松经常云游四海，作品比较深沉严肃，关心各地民族疾苦。杜瓦诺则一生只以他所居住的巴黎为创作基地，喜欢在平民百姓的日常生活中抓取幽默风趣的瞬间。

　　4、抽象与超现实

　　抽象的本意，是从现实的本质中提取要素来突出特征，抽象摄影的表现，主要是以事物要素的具象和事物形式的非具象来传递视觉情绪或表达更含蓄的内涵。

　　超现实是让现实和非现实在矛盾中共存，用写实的手法来表现非现实的现象，创造出既有现实中的合理，又有非现实的怪诞，是似而非的构成使人不可思仪。

A、曼•雷，（1890—1976）美国抽象主义大师。曼•雷（Man Ray）是一个擅长绘画，电影，雕刻，和摄影的艺术大师。同时也是有史以来第一个摄影作品价值远远超越其他所擅长的艺术型式的艺术家。

Glass tears（Les Larmes），1932

Self-Portrait with Gun，1932

B、杰里•尤斯曼，是20世纪60年代“成像后（再合成）”摄影的开创者，所谓“成像后（再合成）”是针对“成像前”摄影而言的。前者打破了后者按动快门前的预先拟想过程及其所代表的传统摄影美学，这反映出60年代中期，西方摄影从单纯“照片”向“图像”概念的过渡。

　　在使用电脑即时合成图像为时尚的今天，尤斯曼依旧不改初衷地采用传统的暗房技巧。正如大师自己所说：“我的摄影是新奇的、创造性的时空并移，它们拓展了原始题材的可能性……最终我的希望是使得自己也感到惊奇。”