西方古典主义音乐形成的历史背景

Posted 2022-12-24 音乐

篇首语：青春须早为，岂能长少年。本文由小常识网(cha138.com)小编为大家整理，主要介绍了西方古典主义音乐形成的历史背景相关的知识，希望对你有一定的参考价值。

西方古典主义音乐形成的历史背景

一、.欧洲古典主义时期音乐产生的历史背景

欧洲音乐的历史可以追溯到希腊神话时代。

从那个时代到巴洛克时期之间，大致可划分为：古希腊罗马时期、中世纪时期和文艺复兴时期三个阶段。第一节古希腊罗马时期古希腊罗马是西方文明的摇篮，西方文明的哲学、美学及各种艺术形式从这里开始，西方的音乐文化也是从这里开始。

这个时期最早出现过基于口头传唱的希腊长诗，如《伊利亚特》和《奥德赛》；数学家毕达哥拉斯揭示了音乐与数学之间的关系。公元前4世纪前后，古希腊悲剧获得了较大的发展。

著名的三大悲剧家埃斯库罗斯、欧里庇得斯、索福克勒斯既是戏剧家也是音乐家，在他们的戏剧中，音乐发挥了奇妙的作用。此时期音乐的特点是：第一，音乐的含义比现在的更为宽广；第二，音乐与其他艺术尚未分离，并且音乐被认为是与其他科学门类如：天文、数学等有密切联系；第三，音乐是单音音乐，且音域较狭窄；第四，已经出现多样的音乐体裁及音阶调式。

古罗马的音乐是从古希腊借鉴过来的，罗马人在古希腊音乐的原有基础上扩大了音乐的演奏规模，使音乐在古罗马时期又有了一定的发展。第二节中世纪时期中世纪的音乐文化是指公元5世纪至13世纪这段历史时期内的欧洲音乐文化。

在中世纪最大的音乐文化中心罗马出现了以罗马教皇格里哥利一世的名字命名的格里哥利圣咏。在这之后出现了带花腔的“散文诗”，“填词”圣咏调。

从11世纪开始，西欧文化发展重心转移到了城市，教会音乐因此有了新发展——产生了复调音乐。第三节文艺复兴时期文艺复兴是指14世纪至16世纪发生在欧洲各国的一场资产阶级思想文化运动，这场运动实际上反映了资产阶级新的人生哲学和价值观，即体现了新兴资产阶级追求自由、解放、平等、博爱等要求。

这些主张主要反映在建筑、雕塑、绘画及文学中，并扩展到了这两百年间的音乐文化中。于是，复调音乐迎来了第三个发展高峰，世俗音乐中更多的反映了现实生活，音乐文化呈现出越来越世俗、明朗和感情化的倾向。

第二章巴洛克时期第一节巴洛克时期的音乐概述欧洲音乐史中的17世纪初叶至18世纪中叶的这段时期被称为“巴洛克时期”。更准确的说是始于1600年而结束于巴赫逝世的1750年。

这是欧洲音乐发展史中的第一个伟大时期。 “巴洛克”源于葡萄牙语“barroco” 一词。

它含有两层意思：一是“不规则的珍珠”；二是“荒谬的思想”。显然，用这一词语来概括1600—1750年这一段时期的音乐风格特点是带有贬义的。

当时人们确实认为“巴洛克”的音乐是“怪异”、“夸张”甚至是“畸形”的，但是随着时间的推移与人们认识水平的提高，人们逐渐理解并接受了这一时期音乐的艺术风格，“巴洛克”一词也渐渐失去了它原有的贬义，而成为专门指代这一时期音乐风格特点的专有名词了。巴洛克时期是欧洲音乐迅速发展的时期，许多重要的声乐、器乐以及综合的音乐体裁如歌剧（包括正歌剧、喜歌剧）、大型声乐套曲（包括清唱剧、康塔塔、受难曲）、协奏曲（包括大协奏曲和独奏协奏曲）、奏鸣曲（包括教堂奏鸣曲和室内奏鸣曲及独奏奏鸣曲）等都是在这一时期形成的。

第二节巴洛克时期代表音乐家及其代表作品简述蒙特威尔第蒙特威尔第（1567—1643），意大利音乐家，与1607年写成世界上第一部歌剧《奥菲欧》。？？代表作品：《奥菲欧》（歌剧）；《波佩阿的加冕》（歌剧）。

威瓦尔第安东尼奥·威瓦尔第（Antonio Vivaldi,1678—1741），意大利小提琴家，作曲家。？？代表作品：《四季》（小提琴协奏曲，包括四个乐章：《春》、《夏》、《秋》、《冬》）。

巴赫约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach,1685—1750），德国巴洛克时代的音乐巨臣，创作了无以数计的优秀的巴洛克作品，被称为音乐的里程碑。？？代表作品：《G弦上的咏叹调》（出自《第三号管弦乐组曲》第二乐章）；《b小调弥散曲》；《马太受难曲》；《d小调托塔卡与赋格》；《布兰登堡协奏曲》（共6首）。

亨德尔乔治·弗里德里克·亨德尔（Gee Frederic Handel,1685—1759），出生于德国的著名英籍德国作曲家。？？代表作品：《水上音乐》（交响组曲）；《焰火音乐》（交响组曲）；《弥塞亚》（清唱剧）；《哈雷路亚协奏曲》。

第三节巴洛克时期重要音乐家及其经典作品介绍一、威瓦尔第安东尼奥·威瓦尔第（Antonio Vivaldi,1678—1741）于1678年出生于意大利。自幼随父学习音乐。

1693年成为神父，1703年至威尼斯，任教于音乐专门学校。 1718年只曼图亚，任菲利普亲王宫廷乐长。

1727年至维也纳，任理查六世宫廷乐长。早期作品以歌剧为主，中后期写作大量协奏曲及其他器乐曲。

在音乐史上，其成就长久不被重视，直至二十世纪中叶，其作品的价值才逐渐被认识。《四季》（小提琴协奏曲，包括四个乐章：《春》、《夏》、《秋》、《冬》）：作品大约作于1725年，是维瓦尔第大约五十岁时出版的十二部协奏曲的第一号到第四号，合称《四季》。

这四部协奏曲是维瓦尔第最著名的作品，其中的旋律至今仍长盛不衰。四部作品均采用三乐章协奏曲形式的正宗标题音乐，不仅照给定的十四行诗配上。

二、200字论述西方古典音乐形成的历史背景

现在所提及的西方音乐实际上是从十六世纪末开始，尤其是十七世纪到十八世纪，这一期间，音乐史上称为巴洛克时期。西方古典音乐有理论，有规范，有大量的文字和音响文献，易于流传；着重美学及功能性，故此比较客观。

西洋音乐主要指欧洲的音乐，由于欧洲历史上统治阶层比较重视音乐，因此许多音乐家都得到资助和保护，发展出比较完善的音乐理论。目前西方的音乐理论在全世界的音乐界占有主导地位，欧洲音乐界发展的记谱法和作曲的程式得到世界的公认。

古典主义音乐指的是1730-1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。

古典主义音乐承继著巴洛克音乐的发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。这个时代出现了多乐章的交响曲、独奏协奏曲、弦乐四重奏、多乐章奏鸣曲等等体裁。而奏鸣曲式和轮旋曲式成为古典时期和浪漫时期最常见的曲式，影响之深远直至二十世纪。乐团编制比巴洛克时期增大，乐团由指挥带领逐渐变成一种常规。现代钢琴在古典时期出现，逐渐取代了大键琴的地位。

随着法国大革命对社会造成的冲击，作曲家的生计也受到影响，由最初依赖宫廷、教会供养转变为独立的经营者。

三、古典主义时期,浪漫主义时期,20世纪音乐的历史背景

古典派的代表人物：贝多芬、莫扎特、海顿等人

早期浪漫派：肖邦、柴可夫斯基、舒伯特、舒曼、门格尔松等人

晚期浪漫派：李斯特、拉赫、马勒等人

古典时期的音乐相比浪漫派、印象派、现代派的容易欣赏，主要代表就是贝多芬的钢琴奏鸣曲和交响曲！随着时代的发展早期浪漫派也相对来说容易理解，比如肖邦夜曲，门格尔松无词歌等一些经典作品！而到了晚期浪漫派往后，音乐已经不去注重听觉上的和谐了，作曲家们打破了传统的作曲规则和套路，以音响效果尖锐刺耳，以表达某种感情！印象派和现代派更为刺耳，现代派代表人物可以参考勋伯格，如今的现代派是朝着无调性音乐发展，听觉上舒适和谐已经被打破了。

在写作手法上，古典派的写作比较规矩，和弦选择与运用是符合逻辑的正常的，大量的正格进行来强调调性。而早期浪漫派写作手法会发现和古典派很大的区别，和弦运用非常多，音响效果很丰富。而到了晚期浪漫派以后，作曲规则被打破，一些反功能进行大量出现和一些不符合常规逻辑的运用！

如果要去欣赏建议先从贝多芬他们古典派欣赏开始，再去听浪漫派，如果你刚开始就听晚期浪漫派的东西会接受不了，觉得是一团遭，那是因为欣赏水平还没有达到，要慢慢一步步来，从古典派老师听慢慢的音乐素养就会提高，欣赏水平也会提高！

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四、36.法国古典主义产生的历史背景以及基本特征是什么

古典主义文学的产生17世纪的法国正处于从封建社会到资本主义社会的过渡时期，旧封建等级正趋于衰亡，近代资产阶级正在形成，但两者中的任何一方都还不能以绝对优势压倒另一方。

在这种暂时妥协的政治局面下，王权需要依靠资产阶级的财力来进一步削弱贵族势力，资产阶级也需要依靠王权获得政治上的地位和巨大的经济利益。法国古典主义文学正是王权和资产阶级相妥协的政治结构而产生的。

因此，它一开始就得到王权的保护、鼓励和培植。古典主义以笛卡尔的唯理主义哲学为基础。

笛卡尔把理性解释成为人类“善于判断和辨别真伪的能力”，他认为理性就是良知，并强调以理性为武器，反对经院哲学和盲目信仰，主张用理性克制情欲。当时的一些文艺理论家们也认为，在文艺创作中也应该强调理性，并提出了文艺创作的某些原则。

法国古典主义基本特征（1）拥护王权，具有明显的政治倾向性。法国古典主义是君主专制的产物，其首要特征是具有为专制王权服务的鲜明倾向性。

法国是当时欧洲最强大的中央集权君主专制国家，专制王权为了牢牢掌握统治权，要求文武百官和老百姓都奉公守法，也要求文学语言规范化，文学样式程式化或格律化。古典主义作家在作品中肯定封建国家在社会生活中所起的首要作用，反对封建割据，主张国家统一。

他们经常在作品中颂扬英明君主，欢呼“圣恩浩荡”；宣传公民义务，提倡自我克制。他们尊重宫廷艺术趣味，大多轻视民间文学，只有少数进步作家才在作品中谴责专制暴政和黑暗的封建统治，并从民间文学中吸取营养。

（2）崇尚理性，把理性作为文学创作和文学评论的最高标准。古典主义理性的基本内容，是反对文艺复兴时期因反禁欲主义而出现的纵欲倾向，要求作品的主人公克制个人情欲，服从公民义务，拥护中央王权，巩固和加强统一的民族国家。

但他们所谓的国家，只是指君主的国家。古典主义作品中的正面人物都是意志坚强、善于用理性来克制感情的英雄，反面人物则常是丧失理性的极端放纵者。

这种泾渭分明的形象使作品具有惩恶扬善的意义。古典主义对理性的强调，使作家们注意了人物心理的分析，却不着重抒写人物富于个性特征的思想、情绪与感受，使人物性格具有单一性和普遍性而缺少个性。

（3）以古希腊罗马文学为典范，重视格律。近代西欧年轻的民族国家，文化根底浅薄，为了建树自己的古典主义文学，只能把古希腊罗马文学奉为楷模。

古典主义作家常常把自己在创作中的成就归功于古代作家的启示，力图从古代作品中找出某些写作的规律和规则，甚至有些则是为了当前的需要而托名古典的。例如最著名的“三一律”就是源于对亚里士多德戏剧理论的不正确理解而编制出来的。

“三一律”是古典主义要求戏剧创作所必须遵循的原则，指时间、地点、情节三者的单一，即一出戏只演一件事（情节单线索），剧情必须发生在同一个地方，一昼夜内。开初“三一律”中的同一故事、同一时间、同一地点，在理解上发生歧义。

后来经过官方理论家、法兰西学士院负责人沙坡兰的严厉批评，才作出如下规定：同一故事是指情节单一，不许旁生枝蔓；同一时间是指剧情的开展不超过一昼夜；同一地点是指人物的活动固定在一个地方，舞台上始终不换景。这是法国中央集权制和法国古典主义寻求统一规则、要求艺术上的单纯集中的必然结果。

（4）重视艺术形式完美，如要求戏剧结构谨严单一，文学语言准确明晰等。对文学体裁作等级划分并制定了各种体裁应当遵循的原则，如悲剧属于高级体裁，应从古代取材，写王公贵族，用亚历山大诗体，严格遵守三一律等。

五、古典主义的形成背景

从文艺思潮上说，古典主义是十七世纪君主政体民族国家开始建立，资本主义渐趋发展的历史阶段产生的一种文艺思潮。以十七世纪的法国发展得最为完备，也出现于英国，德国、俄罗斯，在欧洲曾居支配地位。它是由于学习古代、崇尚古代，模仿古代、以古代的希腊、罗马文学为典范而得名的。从政治和社会根源上考察，古典主义文学是君主专制政治的产物，它为君主专制政体创作，并受君主专制政体的严格监督。它是绝对王权用来加强中央集权，反对思想分立主义的思想工具。十七世纪的法国，正是处于君主专制的全盛时期，资产阶级政治革命的条件尚未成熟，这是法国国王路易十三（1610--1643）和路易十四（1638--1715）掌权的时代，法国的商业资本高度发达，货币成了国民的主要财富。代表大资产阶级和新贵族利益的国王，为了推行重商政策，发展国外贸易，必须从教皇和旧贵族手中夺取政权，集中控制，压制地方贵族的分裂活动，开辟税源，鼓励海外殖民扩张，这就是中央集权的君主专制政体的由来。当时的资产阶级正处于上升时期，一方面由于力量不够壮大，没有发展到足以推翻封建统治，夺取政权的地步，需要依附王权来发展资本主义；另一方面，又不甘心于政治上的附庸地位，在思想上要求革命，提出了限制王权的要求。因此，资产阶级与封建贵族之间暂时形成相互牵制，相互斗争的局面。正如马克思所指出；君主专制发生在一个过渡时期，那时旧封建等级趋于衰亡，中世纪市民等级正在形成现代资产阶级，斗争的任何一方尚未压倒另一方，而当时的王权就成了这两个阶级之间表面上的调停人。图" >

六、欧美音乐的发展史

这里介绍比较详细专业音乐空间 ://spaces.msn/members/6200z/ ://spaces.msn/members/beyond1978/ 音乐的发展与变化第一目“19世纪的音乐流派与杰作”，教材主要阐述了19世纪音乐发展的社会背景以及欧洲浪漫主义音乐的流派与杰作和美国音乐的代表人物及其作品。

1.19世纪音乐发展的社会背景。第一，欧洲资本主义的进一步发展促使文艺格局的面貌发生了变化。

19世纪上半期欧洲一些国家如英、法、德意志、意大利、奥地利等国都在不同程度地进行工业革命，大机器生产推动了资本主义的进一步发展，资本主义力量日益壮大。资本主义经济的发展促使音乐艺术逐渐从封建主义的束缚和教会的压抑下解放出来，开始走向更广阔的社会阶层，更深刻地表现人性，反映更加丰富的社会生活。

第二，各国面临不同的社会问题使音乐的发展呈现出多样性和民族性。19世纪的欧洲经历了拿破仑战争、维也纳体系的建立、1848年革命、19世纪六七十年代的资产阶级革命和改革等重大事件，这期间由于国情不同各国亟待解决的社会问题也有所不同：法国需要进一步深化和巩固资产阶级革命已取得的成果；德意志、意大利需要完成国家的统一；俄国需要消灭农奴制发展资本主义。

而东欧地区许多弱小和落后的国家则要完成反抗外来压迫反对本国封建统治的民族民主革命的任务。在这种形势下，具有民主主义思想的音乐家把对现实的不满和困惑以及自己的追求倾注在音乐的创作中，使音乐的发展呈现出了多样性和民族性。

2.19世纪的音乐流派与杰作。第一，欧洲浪漫主义音乐。

教材介绍了浪漫主义音乐的兴起和发展、主要特点以及代表人物及其作品。 1）兴起和发展。

浪漫主义音乐是在浪漫主义文学的影响下于19世纪初兴起，以奥地利和德意志为中心。19世纪中期走向鼎盛时期。

2）主要特点。浪漫主义音乐与19世纪以前的古典主义音乐不同。

古典主义音乐崇尚理性、重视规范、要求感情的节制和形式，而浪漫主义音乐一则着重感情的抒发和个性化的心理刻画、注重音乐中的诗情画意，感情热烈而奔放。二则在音乐作品中大量弘扬民族特性，形成了各具特色的民族乐派。

3）代表人物及其作品。浪漫主义音乐家灿若群星，他们给后人留下了许多不朽之作。

德意志的贝多芬是维也纳古典乐派及向浪漫主义乐派过渡时期的代表，有“乐圣”之称。其作品题材十分丰富，有钢琴奏鸣曲、交响乐和室内乐等，如《悲怆》《月光》《田园交响曲》《英雄交响曲》《命运交响曲》等都被列入世界名曲。

奥地利的舒伯特不到20岁就开始了自己的音乐创作生涯。一生创作了600多首艺术歌曲，被称为“歌曲之王”。

《小夜曲》是其代表作品之一。此外还创作了交响乐、室内乐和钢琴音乐等作品。

奥地利的小约翰·施特劳斯不到7岁就写出了第一首圆舞曲，他创作的《蓝色多瑙河》《春之声》《维也纳森林的故事》等圆舞曲闻名于世，有“圆舞曲之王”之称。法国的柏辽兹是浪漫主义标题交响曲的创立者，代表作品是《幻想交响曲》。

这是一部有文学标题的、浪漫主义的和带有自传性的作品，它的副标题是“一个艺术家的生活片断”，五个乐章的情节线索通过比较详细的文字标题提供给听众。《幻想交响曲》受到贝多芬的《田园交响曲》的很大影响，表现出更鲜明的浪漫主义特征。

浪漫主义音乐在歌剧中也取得了辉煌成就。意大利罗西尼的作品旋律优美、技艺精巧。

他还是美声唱法的开创者。威尔第的音乐作品具有崇高的爱国主义思想、富有民族特色，对当时意大利民族意识的觉醒起了巨大作用，人们尊称他为“意大利革命的音乐大师”。

其代表作品《茶花女》是名扬世界的巨作。普契尼的音乐除直接采用各国民歌外，还善于使用新手法。

如《图兰朵》中就采用了中国民歌《茉莉花》。代表作品还有《蝴蝶夫人》等。

法国的比才的代表作品《卡门》是世界最优秀的歌剧作品之一，淋漓尽致地体现了法国音乐追求精巧形式的特征，具有鲜明的浪漫主义色彩。德意志瓦格纳的作品极有独创性。

他用近20年的时间完成的巨作《尼布龙根的指环》具有鲜明的德意志民族特色。第二，民族乐派：民族乐派出现于19世纪中后期的俄国和东欧地区。

民族乐派的作曲家在音乐创作中着重以本民族的民歌、民间舞曲为素材，采用本民族的英雄史诗、神话传说和人民解放斗争事迹为题材，并且将民族音乐的鲜明特点和古典主义音乐的优秀传统以及浪漫主义音乐的艺术风格紧密地结合起来，创作出大量既有独特艺术个性和民族感情，又有强烈艺术生命力的作品。他们通过自己的音乐创作，热情地歌颂自己伟大的祖国、民族和人民，反映了他们的爱国主义思想和内心强烈的民族责任感。

俄国民族乐派的主要代表人物是“俄罗斯音乐之父”格林卡和“俄罗斯乐圣”柴可夫斯基。格林卡是俄罗斯民族乐派的奠基人。

他创作的俄国第一部民族歌剧《伊万·苏萨宁》描写了一位俄国农民把波兰军队引入歧路而光荣牺牲的故事，是一部爱国主义的歌剧。柴可夫斯基的作品着重内心刻画，旋律和配器富于表现力。

《天鹅湖》《胡桃夹子》至今仍焕发着生命力，受到人们的喜爱。第三，美国。

七、西方音乐发展史

一、古希腊罗马音乐因为留下来的乐谱资料都少得可怜，所以我们对这一时期的音乐知道得很少。

古希腊的音乐的起源是同神的崇拜和神话传说联系在一起的。“Music”一词源于“muse”，在古希腊神话中缪斯（Muse）是掌管艺术的女神。

著名的神阿波罗、雅典娜、狄俄尼索斯等都是艺术之神，传说音乐就是由他们所创造的。古希腊音乐在宗教活动中的运用极为普遍，也发挥着重要的作用。

古希腊的乐器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它们传说是由不同的神发明和拥有的，因此常常与不同的神崇拜相联系。里拉琴是一种弦乐器，多用于独唱伴奏，史诗弹唱，常与阿波罗崇拜联系，是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。

阿夫洛斯管是一种管乐器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的仪式中。在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。

前者是平静而节制的日神风格，后者是放纵、浪漫的酒神风格。常常与诗歌、舞蹈、戏剧结合在一起，唱歌时有时有乐器伴奏。

二、中世纪音乐大约从公元5世纪开始到14世纪，是西方音乐历史上的最漫长的中世纪时期。中世纪的音乐主要是基督教宗教音乐，世俗的民间音乐不被重视。

教会的权力高于国家和其它社会集团，一切社会意识形态，包括各种艺术以及哲学在内的各方面都要为教会服务。这时期广泛传播的是教堂礼拜歌唱的圣咏、赞美诗。

。“新艺术”的概念来自法国主教、诗人、音乐家菲利普·维特里的一篇论文。

这一概念很快就被广泛使用，说明当时出现了一种新的音乐潮流，与13世纪旧的“古艺术”不同。“新艺术”的主要特征是音乐创作空前世俗化，作曲家把宗教复调音乐与世俗音乐语汇相结合，探索音乐形式创造的各种新的可能。

采用更小音符时值的记谱方式，节奏记谱系统化。新艺术最重要的代表人物是马肖（Guillaume de Machaut,1300-1377），意大利的代表人物是兰迪尼（Francesco Landini,1325-1397）。

西方文明史上的“中世纪”时期曾经一度被视为蒙昧黑暗的时代，但我们今天常倾向于以一种更客观的态度来评判这段历史。从音乐的角度看，教会对音乐的影响虽有其消极的一面，但也有积极的一面。

教会对于音乐的重视，对于教仪音乐的统一作出的努力，对音乐发展投入的大量人力物力，都促进了中世纪欧洲音乐的发展，也使音乐资料能较为完好地保存下来。复调音乐和管风琴的产生为后来的专业音乐发展奠定了坚实的基础。

三、文艺复兴时期的音乐文艺复兴（Renaissance）一词是法文，原意为“再生”。这个时期在西方历史上大约从1300年持续到1650年。

这个词反映了这时期的思想家们对中世纪的怀疑否定和对古代文化的崇尚，他们对于复兴古希腊和罗马的文化遗产产生了兴趣。但这种复兴，并不是单纯地原样再现，乃是通过复兴古代的精髓，建设一种新的文化、新的传统，而且其成就很快超越了古希腊、罗马影响的范畴。

在这场运动中，“人文主义”是其最有影响力的思想潮流，也是这场变革的核心。人文主义者主张以人为本，鼓励人们张扬人性，挣脱神性的桎梏，强调人是社会的主宰而并非是神。

他们颂扬人类对生活的热爱以及人类的智慧，相信人的力量能战胜一切。文艺复兴时期一般是指大约从1430年至1600年前后这一时期，在音乐领域的变革是在继文学、绘画等领域之后。

文艺复兴时期的音乐一方面已经具有明显的世俗化的倾向，一方面又仍然与宗教保持着密切的联系。 1、尼德兰乐派。

尼德兰乐派是指15、16世纪一批出自低地国家的音乐家，大致在法国北部、比利时和荷兰等欧洲北方地区。 2、16世纪的世俗音乐。

16世纪西欧的音乐出现了一些新的倾向。各国兴起了一批具有民族风格的音乐，这些音乐主要以声乐体裁为主，主要有意大利的牧歌（madrigal）、法国的尚松、德国利德（Lied）、西班牙的田园歌和浪漫曲、英国的牧歌和琉特琴歌曲等。

3、宗教改革的音乐与世俗音乐的发展相应，16世纪的宗教改革也为教会音乐带来了深刻的变化。四、巴洛克时期的音乐巴洛克时期通常是指从1600年到1750年之间这150年的范围。

“巴洛克（Baroque）”一词来自葡萄牙语，原意为形状不规则的珍珠，原来是用于建筑、美术领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域 1、歌剧的诞生歌剧是一种用音乐来表现的戏剧，它的前身可以追溯到古希腊时代的悲剧、中世纪的教仪剧、神秘剧等。 2、器乐的发展巴洛克时期的器乐上升到了一个新的突出地位，形成了这一时期声乐、器乐、歌剧三足鼎立的局面，器乐第一次与声乐处在了平等的地位。

巴洛克时期最重要的特征之一是大量使用“通奏低音”，这是一种不同于文艺复兴是亲的复调织体的主调和声织体，基本上由旋律加和声伴奏构成。有一个独立的低音声部持续在整个作品中，上方有一个华丽和富于装饰的高声部，中间声部并不写出，由演奏者即席演奏。

巴洛克时期大小调体系和功能音乐逐渐建立；记谱法也不断完善；“情感论”理论形成，相信音乐的主要目的是唤起人们的情感。他们用一种类型化的音乐来表达歌词的情感，如高音表示光明。

八、有谁给我介绍下欧洲古典音乐的历史

1. 475年至1450年--中世纪中世纪欧洲意识形态领域和一切艺术的是基督教。

这种纯粹宗教用途的音乐只限于在教堂中由唱诗班演唱，没有乐器伴奏，是纯粹的单音音乐（不分声部，大家都唱一样的旋律），单声的圣咏后来开始在旋律线下方四度加上平行的旋律线，形成了最早的和声。 2. 1450年至1600年--文艺复兴十四、十五世纪罗马教庭在与世俗君主的政治斗争中多次被挫败，威信与势开始衰落；音乐史上的文艺复兴起始于1450年左右。

到十六世纪中后期开始使用四线、五线谱记谱，教会调式逐步解体，大-小调体系逐渐形成。宗教音乐也继续发展。

在16世纪后期，中世纪的调式音乐逐渐进化成以大小调为基础的调性音乐；单声音乐随著古希腊和罗马衰亡而消失1000年后再次回到了历史舞台上。 3. 1600年至1750年--巴罗克时代巴罗克时代是欧洲音乐大发展的时代。

大体上自十六世纪末到1750年间的音乐称为巴罗克音乐， 1750年对位法大师约翰·塞巴斯梯安·巴赫去世之年，代表巴罗克的对位法音乐可以认为以巴赫的去世而告结束.巴罗克一词，原来的意思是形状不整的珍珠，巴罗克是一种新的表现形式，其特征，是不拘泥于典型美，表现比较自由，从语义上来说，如果把文艺复兴的美学观比做浑圆的珍珠，而巴罗克的美学观则是形状不整的珍珠.它是宁可打破形式上的均整也要着重于表现的强度的一种形式.总而言之，巴罗克的形式比文艺复兴的形式在感情上更为丰富，且具有戏剧性的起伏，而使用绘画式和幻想式的手法者为多.也很能说明总是另外巴罗克音乐在技法方面的一个特征，是在整个那一时代所通用的通奏低音.这就是在演奏时根据低音的旋律在键盘乐器（古钢琴、管风琴）上，按一定的规则，弹奏出半即兴式的和声伴奏.巴罗克时期最重要的创造就是“对比”的概念。“对比”可以表现为各个不同的方面：音的高与低；速度的快与慢；力度的强与弱；音色的不同；独奏（唱）与全奏（合唱）等等。

所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在，各有它们的地位。许多巴罗克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式，最明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做“单声部歌曲”（monody） 4 .1750年至1827年--古典时期 1750年巴赫逝世后。

大约从18世纪中后叶海顿的带助奏性声部的主调音乐至19世纪初的贝多芬晚期的开端为止的这一时期，产生了维也纳古典乐派，由三位伟大的作曲家组成，即海顿、莫扎特、和贝多芬。海顿、莫扎特和贝多芬的音乐创作及风格方面较为接近，所以三者被称为一派。

而海顿在创造这种风格方面可谓开先河之人。，莫扎特紧紧追随海顿，贝多芬在其音乐方面也有其相同之处。

他曾随海顿学习过作曲，在他的早期或中期创作中也体现出这些风格，但是，在贝多芬的晚期作品中，表现出他强烈的个性，成为过渡到浪漫主义的先驱.古典主义音乐得以在维也纳兴盛，维也纳乐派初期的作曲家和音乐家，为数不少，最初出现一位大师是格鲁克.继而出现了海顿和莫扎特，之后贝多芬又来到此地，以维也纳为自己的第二故乡.以上四人都不是维也纳出生的人.他们都是被维也纳的音乐气氛所吸引来到这里，创造了维也纳古典乐派的光辉传统，并在维也纳结束了自己的生涯。 5. 1827年至19世纪末--浪漫主义时期 1827年贝多芬的逝世结束了严谨的古典主义时期。

19世纪上半个世纪，在欧洲产生了一种新的音乐潮流和创作风格，它的影响一直延续到19世纪后半叶。浪漫主义音乐的产生，有其深刻的社会历史背景。

由此带来了从理性转向为可理解的神秘和超自然力。音乐家的眼光开始投向自然，在那里投入自己的情感。

在所有艺术中，音乐被绝大多数的画家、诗人和哲学家认为是最理想的形式。这是由于音乐似乎能以最不明确的方式来表达最多的内容，而且由于它存在于时间中，因此有条件来表现感情状态中的流动、变化发展及活动。

观念的变化，也带来音乐的技法方面的变化，虽然调性和声在19世纪的和声规则仍然起主导作用，但是浪漫主义的宗旨是要在调性和声系统不崩溃的情况下尽可能地将它扩展。浪漫时期的音乐由于使用变化产和附加音，大量啬没有准备的和不解决的一协和和弦，以及七和弦、九和弦、十一和弦、十三和弦的使用，调性和声扩展了。

以至于到了李斯特、肖邦、瓦格纳的晚期创作，其各自通过不同途径达到调性和声的更远边缘。 6. 19世纪末至20世纪初--印象主义潮流自十九世纪末的浪漫主义的圆熟期进入二十世纪以后，音乐在各方面的表现都变得更为复杂.音乐脱离了注重形式的纯音乐领域，向着标题音乐的方向发展，其最大的表现之一就是印象主义.创始并完成印象主义音乐的人是以法国的德彪西为代表.正如在印象主义绘画中轮廓不明确一样，印象主义音乐也不以旋律为生命，而以作为色彩和光线的和声来代表.但印象主义音乐的和声已超越了古典式的和声理论，把和声当作画具一样，不管它是三和弦还是不协和弦，任意地混合使用.因此即使旋律得到承认，也只是次要的或偶然的现象.其作品只是模模糊糊地反映被描写的事物所散发的气氛。

九、阐述西方音乐的历史进程

一、古希腊音乐

二、古希腊文化是西方文明的渊源。与古希腊的哲学、文学、科学、建筑、美术和戏剧一样，

音乐也是古希腊文化的一个重要组成部分。虽然古希腊流传下来的音乐作品很少，但是丰富的文字记述和雕刻向人们描绘了古希腊音乐文化的风貌。在漫长的西方音乐历史中，古希腊音乐文化精神不断地影响和启发着后世的人们。

神话是古希腊艺术的丰富土壤，在古希腊神话中音乐是极富魅力的。阿波罗不仅是太阳神，也主管音乐。半神半人的底比斯国王安菲翁用琴声的魔力修筑了底比斯城堡。色雷斯的歌手奥尔菲斯以音乐的魅力拯救出地狱中的妻子尤丽狄茜，后又得而复失。这个故事体现出古希腊神话的人性特征，它被近百次地谱写成歌剧。缪斯（Muses）是分别掌管文艺和科学的九位女神的统称，而“音乐”（music）一词还是由缪斯演化来的，足见在古希腊人眼

中，音乐是与人类追求真和美的活动密切相关的。

西方最早的弦乐器是里拉琴（Lyre），又称诗琴。神话中的众神的使者赫耳墨斯在龟壳上蒙上牛皮，支起两只羚羊角，架横木拉起琴弦便发明了里拉琴。从文艺复兴开始，在西方

的文学艺术中，里拉琴一直成为音乐的象征。里拉琴后来演变成形状较大的基萨拉琴（Kithars）。古希腊的管乐器是阿夫洛斯管（Aulos），一种芦管制成的单管或双管的竖笛。里拉琴多用于独唱伴奏，史诗弹唱，它是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。而在崇拜酒神的仪式中，及后来的酒神合唱和雅典悲剧合唱中，阿夫洛斯都是重要乐器。在西方现代文化观念

中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。前者平静而节制，后者狂喜、放纵。

三、古希腊的哲学家们对音乐的论述，对于西方音乐发展有重要的影响和启发。毕达哥拉斯把音乐的音程与节奏的和谐与宇宙星际的和谐和秩序相联系，因而把音乐纳入他以抽象的数为万物之源的理论中。然而他对弦长比例与音乐和谐关系的探讨已经带有科学的萌芽。另外两位哲学家柏拉图和亚里斯多德则以论述音乐的社会、道德作用而著称。

二、古罗马音乐

随着古罗马帝国的扩张，古罗马的版图囊括了欧、亚、非的大片领土，先后征服了古希腊及小亚细亚的一些古国。罗马征服者将征服的大量塑像、浮雕和作为奴隶的舞蹈音乐艺人输入罗马。罗马人吸收同化于古希腊及希腊化东方的音乐文化。

公元一、二世纪形成了古希腊——古罗马音乐盛期。

在古罗马的宗教仪式中音乐仍然占有重要地位。在崇拜古罗马战神、军神——玛尔斯（Mars）的仪式中， 12名贵族组成的塞利（Salii）祭司团跳武士的舞蹈并歌唱。在小亚细亚传入的母神（Cybele）、女神（Isis）的崇拜仪式中音乐都是不可缺少的。

古罗马骨制的蒂比管（Tibia）是古希腊阿夫洛斯管的变体，它在宗教仪式和戏剧音乐中广泛使用。古罗马人认为，它可以驱除邪恶唤起慈善的神性。蒂比管演奏者在社会上颇有地位。古罗马人尚武，军乐得到发展，出现了一些较大型的铜管乐器，如：直筒喇叭口的大号（Tuba）和G字型的库努（Cornu）。

古罗马盛期，有许多关于音乐节日、比赛等的记述。音乐具有娱乐倾向，许多皇帝是音乐保护人，其中尼禄甚至希望自己有一个音乐家的名声。

西方音乐发展简史--中世纪篇

西亚迁至北欧的日耳曼人向罗马帝国的“民族流动”最终导致公元4、5世纪的入侵。公元378年西哥特人憎恨罗马帝国统治者的压迫，举起了反抗的旗帜。几经战乱后，公元476年最后一个西罗马皇帝被废除，标志欧州封建社会的开始。

日耳曼人文化落后，知识浅陋，不懂任何艺术。公元6、7世纪，西欧大部分地区倒退至落后时代，异族的国王们完全没有能力管理他们篡取的权力。然而当西欧社会一派凋敝的时候，基督教却在向着它的巅峰发展。自从公元313年罗马皇帝君士坦丁发布米兰敕令，基督教的活动由地下转为公开，它很快战胜了其他竞争的宗教，于380——392年间被认为是罗马帝国唯一的合法信仰。灭亡了西罗马的日耳曼人已皈依了基督教。西欧封建社会初期王权分散而弱小的时候，基督教却由于教皇统治的兴起权力日益集中强大。

一、欧洲歌剧产生的主要历史背景

歌剧起源于巴洛克时期（1066-1750），最初是由意大利佛洛伦萨的一群人文主义者为了复兴希腊时期的戏剧传统而创造的音乐形式，其渊源除了古希腊戏剧还有世纪神秘剧、假面剧，最直接的起源是文艺复兴后期兴起的牧歌（madrigal）。

1599年佩里创作的《达夫尼》（已亡佚）是目前所知的第一部歌剧，1600年他创作了《尤丽狄斯》是现存最早的歌剧。这两部歌剧已经有了咏叹调与宣叙调分工，但仍带有文艺复兴后期牧歌剧的人文主义气息，总体看来并不成熟。

1607年蒙特维尔第创作的《奥菲欧》是第一部成意义上的近代歌剧，作者运用了相当近代化的管弦乐队为戏剧配乐，用不谐和音烘托气氛和展现矛盾。在他的歌剧里，独唱（宣叙调、咏叹调）、重唱、管弦队和舞蹈综合在一起为剧情服务。

蒙特威尔第认为歌剧的音乐要表达人类深刻情感，并且要与歌词意义相吻合。鉴于他对歌剧这种体裁起的奠基性作用，蒙特威尔第被誉为“近代歌剧之父”。

此后兴起的是威尼斯歌剧学派。1637年威尼斯开放了第一家公共歌剧院—圣卡西亚诺剧院，使得这门艺术走出了少数贵族的沙龙，迎接一个更广泛的市民阶层的青睐。

此后半个多世纪里，威尼斯前后开放了十几家歌剧院，一大批有才华的作曲家、剧作家为之谱曲、写脚本，比较有名的有切斯蒂、卡瓦利等人。这个时期的威尼斯歌剧场面有时奢华到了夸张的地步，开始运用灯光、道具、布景等手段衬托剧情。

与此同时，17世纪中期，以A·斯卡拉蒂为代表的那不勒斯学派也发展起来，并统治了意大利乐坛和欧洲舞台近一百年。这个乐派特别注重在歌剧中发挥人声美的作用，使声乐独唱水平空前提高，更加强了歌剧的主调风格（即与复调多旋律特点性对的单旋律风格）。

当时的咏叹调已固定采用A—B—A的反复三段体形式，在第三段重复第一段音乐材料时，歌唱者可以随意添加装饰和花腔，以显示自己的歌喉和技巧。斯卡拉蒂的歌剧旋律优美亲切，选择不同的咏叹调表现不同的情绪。

在重视人声的同时，他重视器乐的独立表现，采用高度程式化的作曲手法，剧情相似的剧目可以使用相同的配乐；首创了歌剧启幕前的器乐合奏—序曲（又称辛孚尼亚 Sinfornia），由快—慢—快三部分组成。他树立的这种歌剧典范形式，被称为意大利正歌剧（opera seria）。

正歌剧注重人声的特色导致了阉人歌手（即在童年被阉割的男歌手，嗓音高亢，华丽而具有弹性）在欧洲的广泛运用，但后来也出现了单纯追求“美声 ”的形式而忽略内容的倾向，最终走向了衰败（后来因为剧情雷同、单调，听众只听炫耀技巧的咏叹调，宣叙调一概不听）。至于罗马歌剧，由于处于罗马教廷的心脏地带，教会的保守势力对其百般迫害，最致命的是1697年教皇英诺森十二世下令封闭并拆毁了罗马最大的一家歌剧院托尔·德·诺那（Tor di Nona）并宣布此后在教皇地内禁演歌剧，从此罗马歌剧一蹶不振。